Pierre-Narcisse Guerin

     Pierre-Narcisse, baron Guerin / Герен, Пьер Нарсис (1774, Париж — 1833, Рим), французский исторический живописец академического направления.
     Сын торговца скобяным товаром, Герен с 11 лет учился в школе при Королевской Академии живописи и скульптуры у Тараваля и Н. Г.Брене, а позже у Ж.-Б. Реньо, он участвовал в конкурсе 1793 на Гран-при Академии.
     В связи с закрытием Академии конкурсы были временно отменены; однако на конкурсе 1797 Герен все же получил один из трех Гран-при. Его картина "Возвращение Марка Секста", выставленная в Салоне 1799, имела неслыханный успех, благодаря своим сентиментальным и политическим мотивам.
     В декабре 1803, перед отъездом во Французскую Школу изящных искусств в Риме, художник выставил картину "Приношение Эскулапу, или Сыновняя любовь", получившую поощрительный приз еще в 1800; публика смогла оценить картину в Салоне 1804.
     Герен пробыл в Италии до ноября 1805, совершив за это время два путешествия в Неаполь, где он мог наслаждаться руинами античности в сочетании с поэзией Вергилия. В Салоне 1808 он выставляет картины "Бонапарт, прощающий восставших в Каире" и "Пастухи на могиле Аминта", вызвавшие у публики неоднозначное суждение: в Салоне 1810 — "Аврора и Кефал". Эта работа, исполненна по заказу графа Соммарива, имеет вариант, написанный для князя Юсупова, в пандан к которой было создано полотно "Морфей и Ирида".
     Обстоятельства жизни не позволили Герену закончить картину "Смерть маршала Ланна".
     В годы Реставрации художнику были поручены работы, так и оставшиеся незавершенными и известные лишь по эскизам ("Правосудие Людовика Святого"; однако он успел закончить портреты генералов, украшавших гвардейский зал в Сен-Клу).
     В 1815 Герен стал членом Института Франции, а в 1816 — профессором Школы изящных искусств.
     В его мастерской учились Жерико, Делакруа, Ало, Конье, Шеффер, Перен, Орсель.
     По специальному заказу он исполнил четыре литографии ("Ленивые" и "Бдительные").
     Назначенный в 1816 директором Французской Академии в Риме, Герен согласился занять этот пост лишь в 1822 и в продолжении шести лет практически не занимался живописью.
     В 1829 он получил титул барона от Карла Х и, вернувшись в Париж, возобновил свою профессорскую деятельность рядом с Жераром, Гро и Энгром.
     В феврале 1833, после тяжелой болезни он переехал на Виллу Медичи, где и скончался 16 июля.
     Он похоронен в Сен-Луи-де-Франсе.


video

Paul Cesar Helleu

     Поль Сезар Эллё (Paul Cеsar Helleu, родился 17 декабря 1859, умер — 23 марта 1927, Париж) — французский художник.
     Ребенком потерял отца. В 15 лет открыл для себя импрессионизм. Учился в Национальной высшей художественной школе у Жана-Леона Жерома.
     Автор интересных портретов фигур прекрасной эпохи, чаще всего женских, наиболее известен среди которых — портрет парижской куртизанки Лианы де Пужи. Часто писал свою жену Алису Герен в образе женщины с длинными рыжими волосами. Был дружен с Робером де Монтескью, Джованни Болдини, Джоном Сарджентом, Марселем Прустом (оставил рисунок Пруста на смертном одре). Расписал плафон Центрального вокзала в Нью-Йорке. Занимался графикой и керамикой.
     Был известен не только в Париже, но и в Лондоне.
     Кавалер ордена Почётного легиона (1904).

video

John Melhuish Strudwick

     Английский художник-прерафаэлит John Melhuish Strudwick родился в 1849 году в Лондоне. Он учился в художественной школе Южного Кенсингтона, а также в Школе искусстве при Королевской Академии. По окончании учебы работал ассистентом в мастерской Стэнхоупа, а в течение 1870-х годов был учеником и последователем Берн-Джонса, утвердившего его на позициях прерафаэлитизма.
     Страдуик со своей женой Гарриет Рид и единственной дочерью жил в лондонском районе Хаммерсмит, недалеко от Берн-Джонса и Томаса Мэтьюса Рука, другого ассистента мэтра.
     В 1876 году Страдуих дебютировал на выставке Королевской Академии со своей картиной «Песня без слов» (К сожалению, репродукцию картины найти не удалось).
     Начиная со следующего года, он стал регулярно выставляться в галере Гросвенор, а чуть позднее – в Новой галерее. Художник имел богатых покровителей из числа ливерпульских судовладельцев, в частотности Уильяма Имри и Джорджа Холта, который особенно охотно заказывал ему работы.
     Все творчество Страдуика развивалось под заметным влиянием Берн-Джонса. Налицо не только стилистическое сходство, но и общность типажей, а также сюжетов, среди которых преобладают аллегорико-мифологические сцены с характерной метафорической иносказательностью. В них ощущается дух ренессансной эстетики, унаследованной, вероятно, у Стэнхоупа, поскольку сам художник никогда не был в Италии.
     Работам Страдуика свойственна богатая, насыщенная цветовая палитра и обилие мелких деталей, в чем его постоянно упрекали критики. Художник работал чрезвычайно медленно, нередко возвращаясь вновь и вновь к уже написанным полотнам и внося поправки.
     Многие картины Страдуика посвящены тему музыки.
     В 1909 году Страдуик в последний раз показал свои картины в Новой галерее. Подобно многим художникам его поколения, ему было суждено увидеть закат собственной популярности. Победное шествие модернизма вытеснило Страдуика и ему подобных на периферию художественной жизни.
     Последние три десятилетия Страдуик почти не выставлялся и умер в Лондоне в 1937 году.

video




Frederick Hendrik Kaemmerer

     Frederick Hendrik Kaemmerer, голландский художник. Родился в 1839 году. Учился в Ла Хей и в Париже под руководством Жан-Леон Жером. В 1899 году он был награжден золотой медалью на Всемирной выставке, в том же году становится членом ордена Почетного легиона. Умер в 1902 году.
     Некоторые его работы можно увидеть сегодня в музее Мюлуз во Франции и в Washington Museum в Соединенных Штатах.

video

Francois Alfred Delobbe

     Francois Alfred Delobbe, французский живописец, ученик William-Adolphe Bouguereau.
Francois Alfred Delobbe родился в Париже в 1835 году.
Начал учёбу в Художественном училище в возрасте 16 лет.
В 1861 году он дебютировал в the Salon des Artists Franсоis с портретом его матери, которая получила положительные отзывы в Парижской прессе.
Картины Francois Alfred Delobbe были хорошо востребованы вплоть до его смерти.
Умер в 1920 году.

video

Edward Lamson Henry

Edward Lamson Henry (1841-1919)


     Эдвард Лэмсон Генри (12 января 1841 – 9 мая 1919),американский живописец родившийся в Чарлстоне, Южная Каролина.
     Его родители умерли, когда ему было семь лет, поэтому его перевезли в Нью-Йорк, где он жил со своими двоюродными братьями. Генри был талантливым ребенком, и это проявлялось в его умении рисовать, но его "новая семья" не поддерживала его в стремлении к искусству. И лишь в возрасте 17 лет, Эдуард переехал в Париж, где начал изучать изобразительное искусство и совершенствовать свою технику рисунка. Там он работал с известным парижским художников Гюставом Курбе и Чарльзом Глейр. Через два года он вернулся в США и поступил на службу в качестве служащего в Армию Союза (Union Army).
     После войны он поселился в Гринвич-Виллидж, Нью-Йорк, где вскоре был признан талантливым художником и награжден премией от Национальной академии дизайна (National Academy of Design). Двумя годами позже он получил звание академика. Генри был также членом исторического Нью-Йоркского общества. Из-за его любви и большого внимание к деталям в своих картинах посвященных раннему периоду колонизации Америки, современники признавали его как подлинного исторического художника.
     На сегодняшний день его работы часто воспроизводятся на гравюрах, календарях и репродукциях. Он не считается одним из великих американских художников, но его картины были очень популярны на протяжении всей его жизни.
 
video

Eduardo Leon Garrido

Eduardo Leon Garrido , испанский художник. Родился в 1856 году а Мадриде, умер в 1906 году в Мадриде.

video

Vie Dunn-Harr

=Vie Dunn-Harr=


            Художница Vie Dunn-Harr родилась в Сан Антонио, штат Техас, США, в 1953 году. Училась во Флоренции, Италия, в учебных заведениях под названиями de Medici Instituto de Arte и Toblach-Dobbiaco Academia. Здесь она получила знания и опыт традиционной школы живописи, и по-прежнему продолжает использовать их в своих работах. Рисует маслом, и в основном изображает органические формы, а именно цветы. Ее изображения наполнены чувственностью, они отображают одновременно и силу, и хрупкость природы.
            «Мои картины, - рассказывает художница Vie Dunn-Harr, - это отображение всего, что я вижу, и что знаю. Я обнаружила, что между цветком и женщиной есть много общего – они очень нежные создания. И, тем не менее, каждое из них находит в себе силы, чтобы одержать победу над превратностями судьбы».
            Художница долго искала свой стиль в живописи, искала мотивы, с помощью которых могла бы выразить себя. Медленно, но верно Vie Dunn-Harr пришла к стилю, который называет современным реализмом, и проработав в этом стиле более тридцати лет, она не останавливается на достигнутом, а продолжает искать все новые способы самовыражения.Так, одна из последних коллекций художницы под названием «Визаж» несколько отличается от ее предыдущих работ. Картины выполнены в абстрактном стиле, и Vie Dunn-Harr признается, что раньше уже пыталась раскрыть абстракцию в своих работах. Но поняла, что сделать это невозможно до тех пор, пока не разделит свои работы на два направления, - реализм и абстракция. Художница дала новой серии работ название «Визаж» в честь своей матери, чья девичья фамилия была Визаж: «Поскольку я имею прямое отношение к этому имени, я верю, что оно - часть меня, и поэтому как нельзя лучше представляет другую, новую глубину самой меня».


video

Vittorio Matteo Corcos

Витторио Маттео Коркос
(итал. Vittorio Matteo Corcos; 4 октября 1859, Ливорно — 8 ноября 1933, Флоренция) — итальянский художник-портретист.

          Витторио Коркос родился в Ливорно 4 октября 1859 года. С 1870 года учился во флорентийской Академии изящных искусств в классе Энрико Полластрини (итал. Enrico Pollastrini). В 1878—1879 гг. жил в Неаполе и работал в студии Доменико Морелли, чьи произведения значительно повлияли на творчество Коркоса. В 1880 году он переехал в Париж, где подписал контракт на 15 лет с художественной галереей Гупил (франц. Goupil).
         Коркос посвятил своё творчество женским портретам и сценам из повседневной жизни горожан. С 1881 по 1886 он выставлялся в Салоне. После возвращения в Италию Коркос поселился во Флоренции и женился на Эмме Чабатти (итал. Emma Ciabatti), вдове Ротильяно, которая ввела его в высшее флорентийское общество. Картины Коркоса были хорошо приняты в культурных и аристократических кругах. В 1904 году Коркос приобрел известность в Германии, написав портреты Вильгельма II, императрицы Августы, португальской королевы Амелии, Маргариты Савойской.
         Умер Коркос в 1933 году во Флоренции. Работы художника выставлены во многих музеях, в частности, в галерее Уффици и Национальной галерее современного искусства в Риме.

video

Pio Ricci

= Итальянский художник Пио Риччи =

video

Benjamin West

=ХУДОЖНИК Benjamin West=

          Бенджамин Уэст (англ. Benjamin West; 10 октября 1738, Спрингфилд, Пенсильвания — 11 марта 1820, Лондон) — англо-американский художник, известный своими крупномасштабными историческими полотнами.

          Бенджамин Уэст родился в Спрингфилде в семье трактирщика, был десятым ребёнком в семье. Позже семья переехала в Ньютаун-Сквер, штат Пенсильвания, где его отец владел заведением «Square Tavern», до сих пор существующим в городе. Уэст говорил Джону Гальту (John Galt), с которым позже сотрудничал в работе над мемуарами «The Life and Studies of Benjamin West» (1816, 1820), что когда он был ребёнком, индейцы показали ему, как писать картины, смешивая глину с берегов рек с медвежьим жиром в горшке. В живописи Уэст был самоучкой.
          В 1746—1759 годах работал в Пенсильвании, рисуя по большей части портреты. Когда он побывал в Ланкастере в 1756 году, оружейник Уильям Генри предложил ему написать полотно «Смерть Сократа» (Death of Socrates) на основе гравюры из «Древней Истории» Шарля Роллена. Результатом стала работа, значительно отличавшаяся от оригинала, названная «самой претенциозной и интересной картиной, созданной в колониальной Америке». Англиканский священник Уильям Смит, бывший в то время ректором колледжа Пенсильвании, увидев картину в доме Уэста, решил оказать ему помощь. Он предложил ему начать обучение и начал знакомить его с богатыми и влиятельными людьми Пенсильвании, в 1756 году Уэст отправился в Филадельфию для обучения живописи. В это время он познакомился с Джоном Волластоном — художником, иммигрировавшим в США из Лондона. Изучал технику Волластона по написанию переливающихся шёлковых и атласных тканей, а также перенял некоторые манеры его письма, в частности — изображение людей с большими миндалевидными глазами, что ценилось клиентам. Он был близким другом Бенджамина Франклина, написал его портрет. Франклин был крёстным отцом второго сын Уэста, Бенджамина.
          После Пенсильвании работал в Нью-Йорке, создавая портреты. В 1760—1763 годах, при содействии Смита и Уильяма Аллена, совершил поездку в Италию, посетил многие итальянские города, изучая искусство, что позволило расширить тематику его картин. В Италии он создавал копии картин Тициана и Рафаэля.
          В 1763 году переехал в Англию, где поступил на службу к королю Георгу III, писал портреты членов королевской семьи, создал два портрета самого короля. В Лондоне он подружился с известным английским живописцем Джошуа Рейнолдсом, вместе с ним участвовал в создании Королевской Академии художеств, основанной в 1768 году.
          В 1770 году Уэст написал одну из самых своих известных и противоречивых картин — «Смерть генерала Вольфа», выставленную в экспозиции Королевской Академии художеств в 1771 году. Хотя сначала картина получила негативную оценку Рейнолдса и других художников, посчитавших её оскорблением исторической живописи (люди на картине были одеты в современную, а не в античную одежду), но она стала пользоваться большим успехом, с неё делали копии другие живописцы, и в итоге Рейнолдс одобрил картину. Существует несколько её вариантов.
          В 1772 году Георг III назначил Уэста историческим живописцем при дворе с ежегодным жалованием в 1 000 фунтов стерлингов (занимал должность до 1801 года). С 1791 года и до самой смерти был инспектором картин в коллекции короля. После смерти Рейнолдса в 1792 году стал вторым президентом Академии художеств, занимал этот пост до 1805 года. В 1802 году посетил Париж.
          Среди учеников Уэста — американские художники Вашингтон Олстон, Гилберт Стюарт, Чарльз Уиллсон-Пил, Джон Синглтон Копли.

«Смерть генерала Вольфа» (1770). Национальная галерея Канады, Оттава
«Договор Вильяма Пенна с индейцами» (1771—1772). Пенсильванский музей искусства, Филадельфия
 
video

Leon Jean Basile Perrault

=ХУДОЖНИК Leon Jean Basile Perrault (1832-1908)=


     Леон Жан Базиль Перро (16.VI.1832, Пуатье — 6.VIII.1908, Руайан), французский живописец академического стиля. Леон Перро родился в Пуатье в семье со скромным достатком. Его отцу Генри в тот момент было 30 лет, и он работал портным. В возрасте 9 лет Леон Базиль поступил в начальную школу «Pere Danjou». А уже через год, в 10 лет, он поступил в школу дизайна в городе Пуатье, возглавляемую братьями Хивон.
Вскоре учителя заметили талант своего ученика. Леон Перро учился в этой школе до 14-летнего возраста, часто выигрывая творческие конкурсы. Но в 14 лет пришлось бросить школу и заняться поисками работы, поскольку семья жила в большой нужде. Леон стал работать учеником художника оформителя, принимал участие в многочисленных проектах, включая восстановление настенной живописи в церкви de Sainte Radegonde.
     В 1851 Перро принял участие в конкурсе рисунка и был награжден первым местом. В 19 лет он за победу в этом конкурсе получил грант в размере 600 франков от города на учебу в престижной Школе изящных искусств в Париже.
     Перро становится учеником в мастерской Франсуа Эдуарда Пико (1786-1868), позже он продолжает учебу в Академии Изящных искусств, затем в Академии Жюлиана и в мастерской Уильяма Бугро (1825-1905), который становится его другом на всю жизнь. Многие искусствоведы делают акцент на том факте, что Перро был учеником Бугро. Возможно, это так и было, основываясь на их дружеских отношениях, и возможно, Перро работал вместе с Бугро, принимал его советы и был вдохновлен его творчеством. Но в большинстве его записей и анкет, представленных в Салон, Перро называет только Пико своим учителем. В начальные годы учебы проявился интерес Перро к аллегорическим и религиозным темам. Но, к сожалению, эти темы практически не представлены в галереях и информации о художнике.
     В 1861 г. началась его карьера, как академического художника. Это был период Второй Империи, время в большой степени сформированное под влиянием революции 1848 года.
     Анри Марсель в своей книге «Французская живопись 19 века» (La Peinture Franзaise au XIXeme Siиcle) писал: "Вторая Империя дала рождение тому, что называют “живописью стиля”. После ряда неудач в конкурсах в борьбе за престижный приз "du Prix de Rome" , Леон Перро все-таки вошел в парижский Салон. Он дебютировал в Парижском Салоне в 1860 году с картиной «Старик и трое юношей» ( Музей Пуатье), вдохновленной басней Лафонтена. Картина получила «почетное упоминание». В 1866 г. сам Наполеон III купил его полотно «Nestled». Кроме того, Перро была присуждена престижная премия жюри Салона. В 1868 Перро был приглашен участвовать в художественной выставке в Бостоне, США, а в 1873 он был назначен представлять Францию как дипломат от культуры ("diplфme d'honneur") в Вене, Филадельфии и Лондоне, где Перро получает почетный диплом. В 1876 году за картину «Святой Иоанн Креститель» художник получает медаль второго класса, в 1878 году ему присуждается еще одна серебряная медаль. В 1882 году Перро предложил два варианта изображения Республики на объявленном конкурсе, и они были использованы для украшения Дворца бракосочетания и отеля de Ville de Poitiers.
     В 1887 году его друзья из Общества французских художников выдвигают кандидатуру художника, и он становится кавалером Ордена Почетного легиона. Одновременно художник получает большой заказ от Министерства общественных отношений. На Всемирной выставке 1889 Перро получает бронзовую медаль, а в 1900 году на этой же выставке еще одну — серебряную.
     Компания Goupil & Co. воспроизводит репродукции его картин, распространяя их за границей. Художник быстро становится популярен в Англии и Соединенных Штатах. Американский журнал The Century, писал, что этот " изысканный французский джентльмен проводит ежедневно по 10 часов, работая в своей студии". Особой популярностью пользовались картины Перро, изображающие детей – во время игры или на фоне цветов. Филипп Хук в книге «Популярные жанровые живописцы 19-ого столетия: словарь европейских живописцев» так объясняет интерес к детской теме: "Корни этого вида сентиментальной живописи нужно искать в конце восемнадцатого столетия. В течение девятнадцатого века отношение к детям было кристаллизовано в различные стереотипы: невинность, уязвимость, любовь. Эта любовь к детской теме имела еще и истоки в том, что Перро был отличным семьянином и любящим отцом".
     Женат он был на Мари-Луизе (1840-1920), у них было 2 мальчика – Эмиль и Анри, и 4 девочки, еще одна дочь Алиса умерла в возрасте 9 лет в 1880 году. Анри, следуя по стопам отца, стал художником, занимался иллюстрациями, а позже был директором городского Музея Пуатье. Эмиль сделал блестящую карьеру в качестве скульптора-анималиста, он был женат на писательнице Мириам Гарри.
     Перро был членом Общества французских художников, а к концу жизни получил в Салоне звание “hors concours”, разрешающее ему выставлять картины без предоставления их на суд жюри Салона. Перро имел огромный успех с картинами “Christ au tombeau” и “la Descente de Croix” в Салоне 1863, был также награжден поощрительной премией Салона в 1864 за «La Frayeur»(Испуг). Кстати, художник выставлялся на Салоне до самой своей смерти. За 46 лет творческой жизни Перро отсутствовал на выставках Салона только 4 года. Присутствие художника в Салоне являлось важным индикатором его популярности среди общественности и признания среди коллег.
     Перро вначале успешно писал военные сцены, например “Le Mobillisй”. Его считали опытным баталистом, он выполнил даже несколько работ совместно со студией Ораса Верне (1789-1863) в 1862 и 1864 годах.
В последние годы художник переехал жить в курортный городок Руайан, поскольку страдал от сердечной недостаточности. Его часто посещал друг У. Бугро, они до последнего дня оставались близкими друзьями. В 1868 году Перро крестил третьего ребенка Бугро.
6 августа 1908 года сердце Леона Перро остановилось. Похоронен художник на кладбище Пасси.
     В октябре 1910 года в городе Пуатье был возведен памятник Перро в парке Blossac, он сохранен до наших дней.
     К сожалению, имя художника забыто любителями живописи, но его имя очень популярно на аукционах Сотбис и в других аукционных домах. В основном его картины представлены в частных американских коллекциях, хотя и представлены в некоторых музеях, например, в музеях Бордо, Пуатье, Ла-Рошеля и Штутгарта.



video

Dona Gelsinger

     Художница Dona Gelsinger родилась в 1960 году недалеко от Лос-Анджелеса, штат Калифорния. Ее отец был школьным учителем, а мать медсестрой. Благодаря любящим родителям у нее было счастливое детство и свои рисунки она начала создавать в очень раннем возрасте.
     После окончания средней школы, она продолжала изучать искусство в Калифорнийском Государственном Университете. После его окончания Dona была принята в качестве штатного художника в крупную корпорацию в южной Калифорнии. Но работа не приносила ей морального удовлетворения. При поддержке и поощрении семьи, Dona вскоре ушла с нелюбимой работы и создав домашнюю студию начала писать портреты и иллюстрации.
     Переломным моментом в её творчестве стал 1987 год. В этом году Dona Gelsinger получила возможность писать картины Крестного хода для церкови Сен-Дени в Diamond Bar, чему и посвятила около двух лет. Ее картины помогли сделать новую церковь Сен-Дени в Diamond Bar, CA, место для набожных паломников по всей Америке, и навсегда изменили судьбу малоизвестной художницы.
     Огромную известность Dona Gelsinger получила и благодаря своим маленьким ангелам, вызывающим нежность, теплую улыбку и радость.

video

Aram Nersisjan

video

Мировое искусство (рококо)

Мировое искусство (рококо)


Рококо (франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины), стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 в. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Г.В. Кнобельсдорфа, И.Б. Нёймана, отчасти М.Д. Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко.

Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Никола Ланкре, Франсуа Буше, отчасти Жан Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера. Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.

Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. В скульптуре рококо преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия И.И. Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Мировое искусство (классицизм)

Мировое искусство (классицизм)

Классицизм, художественный стиль в европейском искусстве 17–начала 19 вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 в. Лежащие в его основе принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классицизма на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни.
Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей – разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил; закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий – живописи и скульптуры (1648) и архитектуры (1671).

В архитектуре классицизма, которую отличают логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер, тонко и сдержанно оттеняющий общую структуру сооружения (постройки Ф. Мансара, К. Перро, Л. Лево, Ф. Блонделя); со 2-й половины 17 в, французский классицизм вбирает в себя пространственный размах архитектуры барокко (работы Ж. Ардуэн-Мансара и А. Ленотра в Версале). В 17 – начале 18 вв. классицизм сформировался в архитектуре Голландии, Англии, где он органично сочетался с палладианством (И. Джонс, К. Рен), Швеции (Н. Тессин Младший). В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Ж.А Габриель, Ж.Ж. Суфло), поиски новых, безордерных форм архитектуры. Стремление к суровой простоте в творчестве К.Н. Леду предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма – ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике Ж.Б. Пигаля и Ж.А. Гудона, декоративных пейзажах Ю. Робера.

В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины (отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Н. Пуссена, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века; "идеальные пейзажи" К. Лоррена). Классицизм 18 – начала 19 вв. (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Ж.Л. Давида. В 19 в. живопись классицизма, несмотря на деятельность отдельных крупных мастеров, таких, как Ж.О.Д Энгр, вырождается в официально-апологетическое или претенциозно-эротическое салонное искусство.

Интернациональным центром европейского классицизма 18–начала 19 вв. стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец А.Р. Менгс, пластика итальянца А. Кановы и датчанина Б. Торвальдсена). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек К.Ф. Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики – портреты А. и В. Тишбейнов, скульптура И.Г. Шадова. В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Р. Адама, палладианские по духу парковые усадьбы У. Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США. Выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760–1840-х гг. К концу 1-й трети 19 в. ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца 19 – начала 20 вв.

Мировое искусство (романтизм)

Мировое искусство (романтизм)



Романтизм (франц. romantisme), идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца 18 – начала 19 вв.
Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения, утвердившийся в эпоху революционной ломки старого миропорядка, романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости. Мучительный разлад идеала и действительности лег в основу романтического мировосприятия; свойственные ему утверждение самоценности творческой и духовной жизни человека, изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобретал яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями.

Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Домье, пластика П.Ж. Давида д'Анже, А.Л. Бари, Ф. Рюда). В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистические настроения (портреты и аллегорические композиции Ф.О. Рунге, пейзажи К.Д. Фридриха и Й.А. Коха), стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи 15 в.(творчество назарейцев); своеобразным сращением принципов романтизма и "бюргерского реализма" стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера). В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств – работы У. Тёрнера, привязанностью к культуре средневековья и Раннего Возрождения – творчество мастеров позднеромантического движения прерафаэлитов Щ.Г. Россетти, Э. Бёрн-Джонса, У. Морриса и др.). В других странах Европы и Америки романтическое движение было представлено пейзажем (живопись Дж. Иннесса и А.П. Райдера в США), композициями на темы народного быта и истории (творчество Л. Галле в Бельгии, Й. Манеса в Чехии, В. Мадараса в Венгрии, П. Михаловского и Я. Матейко в Польше и др.).

Историческая судьба романтизма была сложной и неоднозначной. Теми или иными романтическими тенденциями было отмечено творчество крупных европейских мастеров 19 в. – художников барбизонской школы, К. Коро, Г. Курбе, Ж.Ф. Милле, Э. Мане во Франции, А. фон Менцеля в Германии и др. В то же время сложный аллегоризм, элементы мистики и фантастики, подчас присущие романтизму, нашли преемственность в символизме, отчасти – в искусстве постимпрессионизма и стиля модерн.